Artiștii americani. 7 maeștri care au surprins lumea

Американские художники очень разношерстные. Кто-то был явным космополитом, как Сарджент. По происхождению американец, но почти всю сознательную жизнь проживший в Лондоне и Париже.

Есть среди них и аутентичные американцы, которые изображали жизнь только своих соотечественников, как Роквелл.

А есть и вовсе художники не от мира сего, как Поллок. Или те, чьё искусство стало продуктом общества потребления. Это, конечно, об Уорхоле.

Тем не менее, все они американцы. Свободолюбивые, дерзкие, яркие. О семи из них читайте ниже.

1. James Whistler (1834-1903)

Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.

Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).

Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.

Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».

Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.

Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.

Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.

Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.

На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.

Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.

Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.

Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.

Tonalism, precum și aproape de acesta impresionism, в середине 19 века публику тоже не впечатлял. Слишком далеко от популярного на тот момент реализма.

Но Уистлер успеет дождаться признания. Под конец жизни его работы начнут охотно покупать.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Мэри Кассат родилась в богатой семье. Она могла беззаботно прожить всю жизнь. Выйти замуж и родить детей. Но она выбрала другой путь. Дав себе обет безбрачия ради занятий живописью.

Era prietenă cu Edgar Degas. Am ajuns miercuri impresionişti, навсегда увлеклась этим направлением. И ее «Девочка в синем кресле» – первая импрессионистская работа, которую увидела публика.

Но картина особо никому не понравилась. В 19 веке детей изображали в виде послушно сидящих ангелочков, с накрученными локонами и розовыми щечками. А тут ребёнок, которому явно скучно, сидит в слишком непринуждённой позе.

Но именно Мэри Кассат, никогда не имевшая своих детей, чуть ли не первой начала их изображать естественными, какие они есть.

Для того времени у Кассат был серьёзный «недостаток». Она была женщиной. Она не могла позволить себе пойти одной в парк писать с натуры. Тем более пойти в кафе, где собирались другие художники. Сплошь мужчины! Что ей оставалось?

Писать монотонные женские чаепития в гостиных с мраморными каминами и дорогими чайными сервизами. Жизнь размеренная и бесконечно скучная.

Мэри Кассат так и не дождалась признания. Сначала ее отвергали за ее импрессионизм и якобы незаконченность картин. Потом, уже в 20 веке, она резко «устарела», так как в моде был ар-нуво (Klimt) și fauvism (Matisse).

Но она осталась верна своему стилю до конца. Импрессионизм. Мягкая пастель. Матери с детьми.

Ради живописи Кассат отказалась от материнства. Но ее женское начало все чаще проявлялось именно в таких нежных работах, как «Спящий ребёнок». Жаль, что консервативное общество поставило ее когда-то перед таким выбором.

3. John Sargent (1856-1925)

Джон Сарджент был уверен, что всю жизнь будет портретистом. Карьера складывалась удачно. Аристократы выстраивались в очередь, чтобы сделать ему заказ.

Но однажды художник по мнению общества перешагнул черту. Нам сейчас сложно понять, что же такого недопустимого в картине «Мадам Икс».

Правда в первоначальной версии у героини была опущена одна из брителек. Сарджент ее «поднял», но это делу не помогло. Заказы сошли на нет.

Что же непристойного увидела публика? А то, что Сарджент изобразил модель в слишком самоуверенной позе. Да ещё полупрозрачная кожа и розовое ушко весьма красноречивы.

Картина как бы говорит, что эта женщина с повышенной сексуальностью не прочь принимать ухаживания других мужчин. Притом будучи замужем.

К сожалению, за этим скандалом современники не разглядели шедевра. Темное платье, светлая кожа, динамичная поза – простое сочетание, которое дано найти только самым талантливым мастерам.

Но нет худа без добра. Сарджент получил взамен свободу. Начал больше экспериментировать с импрессионизмом. Писать детей в непосредственных ситуациях. Так появилась работа «Гвоздика, лилия, лилия, роза».

Сарджент хотел поймать определенный момент сумерек. Поэтому работал только 2 минуты в день, когда освещение было подходящим. Работал летом и осенью. А когда цветы завяли, заменил их искусственными.

В последние десятилетия Сарджент так вошёл во вкус свободы, что и вовсе начал отказываться от портретов. Хотя репутация его уже восстановилась. Одну клиентку он даже грубо отшил, сказав, что с большим удовольствием напишет ее калитку, нежели ее лицо.

Современники относились к Сардженту с иронией. Считая его устаревшим в век модернизма. Но время расставило все по своим местам.

Сейчас его работы стоят не меньше, чем работы самых прославленных модернистов. Ну а уж о любви публики и говорить нечего. На выставках с его работами всегда аншлаг.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Сложно представить более популярного художника при жизни, чем Норман Роквелл. Несколько поколений американцев выросло на его иллюстрациях. Любя их всей душой.

Ведь Роквелл изображал обычных американцев. Но при этом показывая их жизни с самой позитивной стороны. Роквелл не хотел показывать ни злых отцов, ни равнодушных матерей. Да и несчастных детей вы у него не встретите.

Его работы полны юмора, сочных цветов и очень умело схваченных из жизни выражений лиц.

Но это иллюзия, что работы давались Роквеллу легко. Чтобы создать одну картину, он мог сначала сделать до сотни фотографий со своими моделями, чтобы уловить верные жесты.

Работы Роквелла оказывали колоссальное влияние на умы миллионов американцев. Ведь он часто высказывался с помощью своих картин.

Во время Второй Мировой войны он решил показать, за что борются солдаты его страны. Создав в том числе картину «Свобода от нужды». В виде дня благодарения, на которой все члены семьи, сытые и довольные, радуются семейному празднику.

Через 50 лет работы в Saturday Evening Post Роквелл ушёл в более демократичный журнал «Look», где смог выражать свои позиции о социальных проблемах.

Cea mai strălucită lucrare a acelor ani este „Problema cu care trăim”.

Это реальная история чернокожей девочки, которая пошла в школу для белых. Так как был принят закон о том, что люди (а значит и учебные заведения) больше не должны разделяться по расовому признаку.

Но гневу обывателей не была предела. По дороге в школу девочку охраняла полиция. Вот такой «рутинный» момент и показал Роквелл.

Если хотите узнать жизнь американцев немного в приукрашенном свете (какой они сами хотели ее видеть), обязательно смотрите картины Роквелла.

Пожалуй, из всех представленных в этой статье живописцев, Роквелл – самый что ни на есть американский художник.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.

Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.

Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.

На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.

Dar există un mister în toate acestea. Alt aspect.

Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.

Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.

Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.

Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.

Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.

Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.

Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.

Citiți despre artist cu articolul Lumea lui Christine. Capodopera lui Andrew Wyeth.”

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Джексона Поллока невозможно обойти стороной. Он перешёл определённую черту в искусстве, после чего живопись не могла быть прежней. Он показал, что в искусстве вообще можно обойтись без границ. Когда положил холст на пол и забрызгал его краской.

А начал этот американский художник с абстракционизма, в котором все же прослеживалось фигуративное. В его работе 40-х годов «Стенографическая фигура» мы видим очертания и лица, и рук. И даже понятные нам символы в виде крестиков и ноликов.

Его работы хвалили, но покупать не спешили. Он был беден, как церковная мышь. И безбожно пил. Несмотря на счастливый брак. Его жена преклонялась перед его талантом и делала все для успеха мужа.

Но Поллок изначально был личностью надломленной. С самой юности по его поступкам было понятно, что ранняя смерть – его удел.

Эта надломленность в результате и приведёт его к смерти в 44 года. Но он успеет совершить революцию в искусстве и прославиться.

А получилось у него это в период двухлетней трезвости. Он смог плодотворно работать в 1950-1952 годах. Он долго экспериментовал, пока не пришёл к капельной технике.

Раскладывая огромный холст на полу своего сарая, он ходил вокруг него, находясь как бы в самой картине. И разбрызгивал или просто лил краску.

Эти необычные картины у него начали охотно покупать за невероятную оригинальность и новизну.

Поллок был оглушен славой и провалился в депрессию, не понимая, куда ему двигаться дальше. Смертельная смесь алкоголя и депрессии не оставила ему шансов на выживание. Однажды он сел за руль сильно пьяным. В последний раз.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Только в стране с таким культом потребления, как в Америке, мог родиться поп-арт. И главным его зачинателем был, конечно, Энди Уорхол.

Прославился он тем, что брал самые обыденные вещи и превращал их в произведение искусства. Так случилось с банкой супа Кэмпбелл.

Выбор был не случаен. Мать Уорхола кормила сына каждый день таким супом более 20 лет. Даже когда он переехал в Нью-Йорк и взял свою мать с собой.

После этого эксперимента Уорхол увлёкся трафаретной печатью. С тех пор он брал изображения поп-звёзд и раскрашивал их в разные цвета.

Așa a apărut faimoasa sa pictură Marilyn Monroe.

Таких Мэрилин кислотных цветов было выпущено несметное количество. Искусство Уорхол поставил на поток. Как и полагается в обществе потребления.

Раскрашенные лица придуманы Уорхолом не на пустом месте. И вновь не обошлось без влияния матери. В детстве во время затяжной болезни сына она таскала ему пачками раскраски.

Это детское увлечение переросло в то, что стало его визитной карточкой и сделало его баснословно богатым.

Он раскрашивал не только поп-звёзд, но и шедевры предшественников. Досталось и „Venus” Botticelli.

«Венер», как и Мэрилин было сделано немало. Эксклюзивность произведения искусства «стёрта» Уорхолом в порошок. Для чего художник это делал?

Чтобы популяризировать старых шедевров? Или, наоборот, попытаться их обесценить? Обессмертить поп-звёзд? Или приправить смерть иронией?

Его раскрашенные работы Мадонны, Элвиса Пресли или Ленина порой более узнаваемы, чем изначальные фото.

А вот шедевры вряд ли удалось затмить. Все равно первозданная «Венера» остаётся бесценной.

Уорхол был заядлым тусовщиком, привлекая к себе массу маргиналов. Наркоманы, неудавшиеся актеры или просто неуравновешенные личности. Одна из которых однажды выстрелила в него.

Уорхол выжил. Но через 20 лет из-за последствий когда-то перенесённого ранения, умер в одиночестве в своей квартире.

Oala de topire din SUA

Несмотря на короткую историю американского искусства, диапазон получился широченный. Среди американских художников есть и импрессионисты (Сарджент), и магические реалисты (Уайет), и абстрактные экспрессионисты (Поллок), и зачинатели поп-арта (Уорхол).

Что ж, американцы любят свободу выбора во всем. Сотни конфессий. Сотни наций. Сотни направлений искусства. На то он и плавильный котёл Соединенных Штатов Америки.

*Тонализм – монохромные пейзажи серых, голубых или коричневых оттенков, когда изображение находится словно в тумане. Тонализм считается ответвлением импрессионизма, так как передаёт впечатление художника от увиденного.

***

Comentarii alți cititori Vezi mai jos. Ele sunt adesea un bun plus pentru un articol. Puteți, de asemenea, să vă împărtășiți părerea despre pictură și artist, precum și să puneți o întrebare autorului.

Versiunea în engleză a articolului